(en français après les photos) Ci sono diversi luoghi dove amo recarmi per godere di mostre d’arte moderna e contemporanea a Parigi: il Centre Pompidou, il MAM e il Palais de Tokio, ma la Fondation Vuitton mi attira particolarmente per l’architettura che ben si addice alla visita di grandi retrospettive o combinazioni interessanti come quella attualmente in mostra: Monet Mitchell. Concepita dall’architetto Frank Gehry, la Fondation Vuitton ha l’apparenza di una nave spaziale ed è aperta al pubblico nel 2014.
All’occasione dell’arrivo a Parigi di Massimo Solli, caro amico acquarellista -la cui opera Boucher Chinois era esposta al Caroussel du Louvre- ed a sua moglie Laura, propongo di recarci alla Fondation per visitare la mostra “Dialogue Claude Monet (1840-1926) et Joan Mitchell (1925-1992). Dopo il classico giro all’esterno ed all’interno dell’enorme struttura, iniziamo a scoprire l’opera della pittrice americana, ‘messa in dialogo’ con quella del grande pittore impressionista francese. L’installazione infatti permette di confrontare l’ispirazione della pittrice tratta dallo sguardo di Monet sulla natura e la rielaborazione che definirei neoimpressionista. I formati dei loro quadri sono spesso enormi per una ‘immersione’ totale nei paesaggi impressi su tela. Colpiscono sempre infatti le famose Nymphéas, che, negli ultimi tempi, Monet dipingeva dopo aver a lungo osservato le ninfee del suo giardino di Giverny mentre per Joan Mitchell si tratta di trasporre i feelings delle percezioni ancora vive oltre il tempo e lo spazio esplorando la memoria nel suo atelier de La Tour, a Vétheuil, vicino alla casa di Monet. La ricerca dei due artisti dunque li avvicina nella restituzione pittorica delle ‘impressioni’, delle sensazioni provate di fronte ad elementi naturali. Per l’uno si tratta della persistenza della sensazione visuale, per la seconda di un gioco di memoria incrociata, entrambi lavorano in atelier al ritorno dell’esperienza vissuta ed all’osservazione diretta. Monet si impregna di un paesaggio che ha creato lui stesso nel suo giardino: motivi floreali, lo stagno; Mitchell delle visioni dalla sua terrazza dei paesaggi di Vétheuil e del Vexin con le sue valli attraversate dalla Senna. L’acqua con i suoi riflessi di luce è l’altro elemento in comune: per Monet il suo stagno con piante acquatiche e agapanti e per Mitchell la Senna che ricorda il lago Michigan della sua infanzia.
Anche alcuni elementi formali accumunano i due artisti come indica il libretto informativo: “le interferenze del colore con la luce, la gamma da loro preferita -anche se con intensità diverse- fatta di blu, verdi, gialli combinati con rossi, rosa e viola. Inoltre il grande formato implica una pittura molto gestuale e una grande libertà tecnica con pennellate vibranti ed effetti di materia che alterna opacità e fluidità”. Ed è proprio l’enorme trittico di Monet L’Agapanthe (1915-1926) in contrappunto a La Grande Vallée di Mitchell (1983-1984) che mostra il comune percorso di dissoluzione del soggetto nel colore e di superamento dei limiti spaziali per creare uno spazio immersivo per i fruitori.
Giriamo per le sale ed ammiriamo gli accostamenti tematici delle opere dei due pittori appartenenti a due diverse generazioni (Mitchell nasce un anno prima della morte di Monet) e, soprattutto, scopriamo l’artista americana a cui è dedicata una retrospettiva. Joan Mitchell aveva dichiarato di amare più l’opera tardiva dell’artista francese che quella precedente, e ora capisco il perché ed apprezzo questa pittrice che non conoscevo e che si fa ispirare dalla natura, dalla musica e dalla poesia come nei quattro pastelli esposti nella sala n.6. Peraltro anche Monet incrocia gli scrittori del suo tempo e sono proprio i poeti che celebrano la sua opera tardiva.
Tornando a Mitchell, scopro che è una delle pochissime artiste donne riconosciuta nell’America del dopoguerra. Nata a Chicago nel 1925 si sposta a New York nel 1949 per confrontarsi con gli artisti dell’espressionismo astratto partecipando alla Ninth Street Art Exibition del 1951 ma continua la sua ricerca artistica personale tra l’Atlantico e la Francia come emerge in The Bridge del 1956 che testimonia questo passaggio, fino al suo trasferimento a Parigi e poi a a Vétheuil dove si stabilisce definitivamente nel 1968. Pur considerando la sua opera astratta, la sua rappresentazione va oltre creando uno stile originale che “ammette l’evocazione della natura”, e comunque a cavallo tra “l’espressionismo astratto americano e la pittura lirica europea”. Cercando nei sentimenti e nei ricordi, Mitchell dipinge ‘con il corpo’ e concepisce la sua pittura in un formato raro all’epoca, il polittico. Il suo percorso artistico continua nella sua casa al confine con la Normandia e si plasma di colori e ‘tessitura immersiva’. L’ultimo decennio è particolarmente fecondo: “dipinge con un’energia paradossale. Sofferente, bloccata nei movimenti, continua comunque a lavorare sui grandi formati e prosegue con passione il dialogo che intrattiene con i suoi predecessori (Van Gogh per No Birds, Cézanne per South)”. E, naturalmente, Monet.
P.
la mostra è aperta fino al 27 febbraio, per informazioni:
https://www.fondationlouisvuitton.fr/en/events/claude-monet-joan-mitchell
Monet Mitchell à la Fondation Vuitton
Il y a plusieurs endroits où j’aime me rendre pour profiter des expositions d’art moderne et contemporain à Paris : le Centre Pompidou, le MAM et le Palais de Tokio, mais la Fondation Vuitton m’attire particulièrement en raison de son architecture, qui se prête bien à la visite de grandes rétrospectives ou de rapprochements intéressantes comme dans l’exposition ‘Monet Mitchell.’ Conçue par l’architecte Frank Gehry, la Fondation Vuitton a l’apparence d’un vaisseau spatial et elle a ouvert au public en 2014.
A l’occasion de l’arrivée à Paris de Massimo Solli, un cher ami aquarelliste – dont l’œuvre ‘Boucher Chinois’ a été exposée au Caroussel du Louvre – et de son épouse Laura, je propose d’aller à la Fondation pour visiter l’exposition ‘Dialogue Claude Monet (1840-1926) et Joan Mitchell (1925-1992). Après la visite classique de l’extérieur et de l’intérieur de l’énorme structure, nous commençons à découvrir l’œuvre de la peintre américaine, ” mise en dialogue ” avec celle du grand peintre impressionniste français. L’installation compare en effet l’inspiration de Mitchell tirée de la vision de la nature de Monet et les remaniements que l’on pourrait qualifier de néo-impressionnistes. Les formats de leurs tableaux sont souvent énormes pour une ” immersion ” totale dans les paysages imprimés sur la toile.
En effet, les célèbres Nymphéas, que Monet a peints après avoir longuement observé les nénuphars dans son jardin de Giverny, sont toujours saisissants, tandis que pour Joan Mitchell, il s’agit de transposer les sensations de perceptions encore vivantes au-delà du temps et de l’espace en explorant la mémoire dans son atelier de La Tour, à Vétheuil, près de la maison de Monet. Les recherches des deux artistes les rapprochent ainsi dans la restitution picturale des ” impressions “, des sensations ressenties face aux éléments naturels. Pour l’un, c’est la persistance de la sensation visuelle, pour la seconde un jeu de mémoire croisée, tous deux travaillant dans l’atelier sur le retour de l’expérience vécue et de l’observation directe. Monet est imprégné d’un paysage qu’il a lui-même créé dans son jardin : les motifs floraux, l’étang; Mitchell avec des visions depuis sa terrasse des paysages de Vétheuil et du Vexin avec ses vallées traversées par la Seine. L’eau avec ses reflets de lumière est l’autre élément commun : pour Monet, son étang avec ses plantes aquatiques et ses agapanthes, et pour Mitchell, la Seine qui lui rappelle le lac Michigan de son enfance. Des éléments formels unissent également les deux artistes dans cette exposition, comme l’indique le livret d’information : “l’interférence de la couleur avec la lumière, leur gamme préférée – bien qu’avec des intensités différentes – composée de bleus, de verts, de jaunes combinés à des rouges, des roses et des violets. De plus, le grand format implique une peinture très gestuelle et une grande liberté technique avec des coups de pinceau vibrants et des effets de matière qui alternent opacité et fluidité”.
Et c’est l’immense triptyque de Monet, L’Agapanthe (1915-1926), en dialogue avec La Grande Vallée (1983-1984) de Mitchell, qui montre le cheminement commun des artistes de dissoudre le sujet dans la couleur et de dépasser les limites spatiales pour créer un espace immersif pour le spectateur.
On déambule dans les salles, on admire les juxtapositions thématiques des œuvres des deux peintres appartenant à deux générations différentes (Mitchell est née un an avant la mort de Monet) et, surtout, on découvre l’artiste américaine auquelle une rétrospective est consacrée. Joan Mitchell avait déclaré qu’elle aimait davantage les œuvres tardives de l’artiste français que ses œuvres antérieures, et maintenant je comprends pourquoi et j’apprécie cette peintre que je ne connaissais pas et qui s’inspire de la nature, de la musique et de la poésie comme dans les quatre pastels exposés dans la salle 6. Par ailleurs, Monet croise également les écrivains de son temps et ce sont les poètes qui célèbrent son œuvre tardive.
Pour en revenir à Mitchell, je découvre qu’elle est l’une des très rares femmes artistes reconnues dans l’Amérique d’après-guerre. Née à Chicago en 1925, elle s’installe à New York en 1949 pour se confronter aux artistes de l’expressionnisme abstrait en participant à la Ninth Street Art Exibition de 1951, mais poursuit ses recherches artistiques personnelles entre l’Atlantique et la France comme en témoigne son The Bridge de 1956, qui témoigne de cette transition jusqu’à son installation à Paris puis à Vétheuil où elle déménage définitivement en 1968. Bien qu’il considère son travail comme abstrait, sa représentation va plus loin en créant un style original qui “admet l’évocation de la nature”, et se situe toujours à cheval entre “l’expressionnisme abstrait américain et la peinture lyrique européenne”. A la recherche de sentiments et de souvenirs, Mitchell peint “avec le corps” et conçoit sa peinture dans un format rare à l’époque, le polyptique. Son parcours artistique se poursuit dans sa maison à la frontière de la Normandie et est façonné par les couleurs et les textures immersives. La dernière décennie est particulièrement fructueuse : “il peint avec une énergie paradoxale. Souffrante, bloquée dans ses mouvements, elle continue néanmoins à travailler sur de grands formats et poursuit avec passion le dialogue qu’elle avait avec ses prédécesseurs (Van Gogh pour No Birds, Cézanne pour South)”. Et, bien sûr, Monet.
P.
